Цель или средство? Почему деньги, здоровье и счастье – не самое важное в жизни

Философ Джулиан Баггини рассуждает о том, почему искусство, общение и любимые занятия ценны сами по себе, а стремление извлечь из всего выгоду – нет.

автор Евгений Елисеев

В предыдущей статье мы говорили о том, как неотъемлемые части жизни человека становятся инструментами в обществе достижений. Например, абонементы в йога-студию продаются с мотивацией «держать ум и тело под контролем», а мудрые гуру рекомендуют встречи с друзьями для поддержания баланса эндорфинов в организме. На этом месте у многих читателей может возникнуть вопрос: «Что не так с занятиями йогой или совместным досугом? Ведь это все полезные занятия, которые, к тому же, приносят удовольствие».

Бесспорно, соглашается Джулиан Баггини. Но нам важно думать не только о том, что мы делаем, но и как мы это делаем. Ведь два человека, увидевшие за день одну и ту же выставку, прослушавшие один и тот же музыкальный альбом и посмотревшие впридачу один фильм, необязательно сойдутся в обмене впечатлениями: и дело не только в разных вкусах, но и в мотивации: иными словами, с какой целью они пережили этот зрительский опыт?

Кадр из фильма "Улитка" (2025), реж. Корнел Георгицэ

Здесь Баггини отсылает к древнегреческому философу Аристотелю, который, по его мнению, одним из первых сформулировал следующую аксиому:

«Есть в жизни человека средства, ведущие к цели, а есть цели-в-себе»

Первым, продолжает Баггини, присуща внешняя ценность (детерминированная другими – например, общественным укладом, советами близких), а вторым – внутренняя. Жизненные ценности человека всегда внутренние, ибо у каждого они свои.

Звучит очевидно? И вместе с тем совет Аристотеля еще не терял своей актуальности ни в одном столетии. В последнее время люди особенно часто забывают о том, что деньги – это инструментальное благо, а не «цель-в-себе». С помощью денег гораздо проще осуществить личные мечты, но «достаточно» их никогда не будет: заработавший миллион будет стремиться к покорению новых финансовых вершин, в то время как истинные ценности выскользнут из его поля зрения.

Кадр из фильма "Трое" (2026), реж. Хуан Игнасио Себальос

В ловушку внешних ценностей или навязанных целей попадали и продолжают попадать миллионы жителей планеты Земля. Однако коварство инструментализации идет, по наблюдению Баггини, дальше: она не просто отвлекает нас от достойных занятий, но уплощает суть последних, делая их средством к достижению весьма ограниченных целей. Взять хотя бы здоровье, благосостояние, душевный покой – мало кто из людей отказался бы от подобных пожеланий в своей жизни, однако, если вдуматься, ни одно из них не является целью-в-себе, даже здоровье, подчеркивает Баггини.

Кадр из фильма "Хрупкость. Выдумщица" (2026), реж. Ксения Зуева

Разлетевшаяся по интернету цитата «Здоровье – это не все, но без здоровья все – ничто», приписываемая Сократу, состоит из двух равноценных частей. Да, нам нужно здоровье, главным образом для того, чтобы i) не страдать, не испытывать боль (это неприятно и бесцельно, добавляет автор), ii) иметь силы и желание заниматься тем, что делает нашу жизнь осмысленной.

Следовательно, здоровая жизнь, лишенная любви, творчества и иного значимого для человека опыта, пуста. Удивительно, но люди, страдающие хроническими заболеваниями, нередко приходят к выводу о том, что здоровье есть не самая важная часть их жизни.

То же касается и ментального равновесия: по мнению автора, психический недуг – бесполезная мука для его носителя, в то время как крепкие нервы и отсутствие травм привязанности есть лишь почва для придания жизни ценности и целостности, на которой не всегда прорастают цветы. Вместе с тем, горевание само по себе не делает нас более здоровыми и счастливыми, но этот процесс необходим человеку для прощания с вещами, которые были ему дороги.

Кадр из фильма "Другой мир" (2026), реж. Николай Коваленко

Даже счастье – «алмаз» индустрии благополучия – едва ли можно всерьез назвать «целью-в-себе». В объяснение своей позиции Джулиан Баггини приводит следующие контрпримеры: быть счастливым, когда рядом страдают другие люди, или пребывать в иллюзии беспечности в ситуации, полной тревоги и недосказанности… И хотя блаженное неведение бывает удобнее знания горькой правды, само по себе благом Баггини это не считает.

«Так что же есть самоценность, если не здоровье, не успех и даже не личное счастье?» – спросите вы.

Философы разных эпох и течений бились над ответом на этот вопрос – и каждый из них предлагал свою версию «высшего блага». Например, Аристотель видел его в интеллектуальном созерцании, буддисты – в уменьшении страданий, Кант – в понятии «доброй воли», а прагматисты – в ощущении счастья. Как видно из заключений мыслителей, понимание ценности и ценного в жизни весьма индивидуально: даже Аристотель, говоривший о «высшей добродетели для всего человечества», конкретизировал это понятие исходя из собственного мировоззрения.

Кадр из фильма "Дортмундские тени над Мордовией" (2026), реж. Иван Ветошкин

Внутренние ценности, подводит к итогу Джулиан Баггини, делают ощущение жизни более полным и потому достойны проживания без какой-либо аргументации. Иными словами, восклицая «В чем смысл?», мы невольно его упускаем. Любительский и профессиональный спорт, прогулки по лесу, изучение иностранных языков, написание текстов… Можно лишь попробовать описать ценность занятия для самого себя в надежде на то, что другие «заразятся» идеей и откроют в нем новые – персональные – смыслы.

Финал истории – в следующей части материала.

Художница Саша Фролова - о "латексном" перформансе: "Мне хотелось чуть адаптировать эпоху барокко к реалиям 21-го века"

Клео.ру побеседовал с Сашей о «театре художника», уходящей натуре Нижнего Новгорода и любви к венецианским мостовым.

автор Татьяна Бутурлина

художница Саша Фролова

Мультидисциплинарная художница Саша Фролова получила известность за свою любовь к необычным латексным материалам. Создавая коллекции и скульптурные композиции из этого материала, она добивалась одновременно эффекта невесомости и монументальности форм, вызывая, по собственным словам, «заворожение» зрителя.

В этом году Саша получила диплом ГИТИС и представила свой режиссерский дебют на открытой сцене парка Горького — спектакль «В состоянии аффекта». По словам художницы, она попыталась собрать своеобразный «спектакль-пастиччо» — симбиоз «латексного» дефиле и произведений великих композиторов расцвета барокко.

— Саша, ну, во-первых, поздравляем с дебютом! Публика, судя по реакции, осталась в восторге.

— Да уж, меня так долго не отпускали, что думала — все, замерзну на мокром ветру под «летние» 15 градусов. Но такой теплый прием показал, что я, собственно, двигаюсь в правильном направлении. Премьера данного спектакля состоялась год назад, в Нижнем Новгороде, где вошла в репертуар, и моей настойчивой мечтой стало гастрольное московское продолжение. Ура, все свершилось благодаря «Театральному бульвару»! Я выступаю здесь во всех ролях и ипостасях – и как режиссер, и как художник, и даже на экране не раз появляюсь как модель и интервьюер. Я бы назвала такое направление «театром художника». В нем, собственно, собираюсь и дальше развиваться.   

— Насколько комфортно находиться со своими костюмами на таких открытых площадках? Ветер, дождь или жара – все это затруднительно для актеров.

— Признаться, я уже столько раз работала в подобных условиях, что научилась сталкиваться с разными ситуациями, мои перформансы знакомы с трудностями уличной сцены. Безусловно, для работы на площадке в парке Горького нам пришлось значительно адаптировать постановку: скорректировать некоторые моменты со светом, под другой тип экрана перенастроить видеоконтент. Потом мы сократили в целом метраж, сделали версию без антракта, чтобы зрителю было удобнее смотреть. Для меня самым важным моментом было сохранить не только сценографию, но общий вайб постановки. На уличной сцене все воспринимается немного иначе, чем под сводами театра, где все более камерное, загадочное. Но здесь свои плюсы – масштаб и зрелищность.

Нашим артистам — да, порой приходится и помучиться от жары на палящем солнце, и на ветру «полетать». Не забываем, что каждый костюм — конструкция сложносочиненная. Сначала его надо надуть, и это уже непросто, порой полдня на это уходит. Потом надеть на артиста, после чего снять и сдуть. Иногда такая подготовка занимает несколько часов, а порой и дней. Для меня как художника подобные трудности — очередной опыт. И чем сложнее цель, тем интереснее процесс.

— Вы отметили, что данный проект – некая интерпретация эпохи барокко. Чем этот временной промежуток 18-го столетия вас так зацепил?   

— Эпоха барокко с ее теорией аффектов — а это особая музыкально-эстетическая концепция, особенно популярная в Европе в эпоху барокко, — меня крайне волнует и увлекает уже на протяжении долгого времени. Я несколько лет провела в Италии, в Венеции, была во Франции, в Версальском дворце, и даже проводила там перформансы. Я буквально кожей впитывала эту барочную атмосферу, эстетику места. Тогда же познакомилась и изучила тему «аффектов». Под этим понятием предполагалась, что некие «фиксированные» эмоциональные состояния человека можно передавать с помощью музыкальных произведений. Мой спектакль я как раз решила устроить по принципу оперного pasticcio, когда на сцене звучат знаменитые арии Скарлатти и Вивальди, Риккардо Броски и Николы Порпоры, и каждое из их произведений передает определенную эмоцию, разыгранную актерами.

Вообще, первые костюмы этой серии были созданы для экспозиции в Московском музее современного искусства, можно сказать, что именно тогда, еще в 2020-м, я решила экспериментировать в этом направлении аффектов: начала создавать скульптуры и костюмы как образы эмоциональных состояний, как некие слепки наших эмоций. Мне хотелось приблизить, чуть адаптировать эпоху барокко к реалиям 21-го века. Так пришла идея включить в сценарий видеоинтервью, где лично я беседую с «героями дня»: артистами, которые вот прямо сейчас выйдут на сцену. Вообще, такой жанр в театре называется «вербатим» — использование в творчестве не выдуманного, а подлинного материала, документальный театр через передачу личных историй напрямую, с использованием живой речи и мимики.

— У вас там, кстати, очень необычные локации для интервью — уходящая натура старинных усадеб.

— Это все сделано специально, чтобы было как раз на контрасте. Мы выбирали такие совсем неидеальные места уходящей, былой красоты, максимально контрастирующие в своей эстетике идеальному фантазийному языку моих барочных латексных костюмов в спектакле. Чтобы атмосфера, работающая на таком остром контрасте, усиливала тему разговора. Мы видим наших героев, сидящих, например, на фоне живописных руин Куйбышевской водонапорной станции 1880 года. В своем разрушении это место, исчерканное граффити, с обвалившейся штукатуркой, потрясающе красиво. Также есть локации с видом на крыши Нижнего, на Кремль, на реку на Стрелке.

— А что вас, может, больше всего вдохновляло в работе над этим спектаклем?  

— Венеция! Воспоминания о ней! Город-музей, город-театр, состоящий, как говорил в свое время Борхес, «из хрусталя и сумерек». Так уж судьба распорядилась, что я в течение нескольких лет могла иметь такое счастье блуждать по узким венецианским улочкам, имела возможность дышать этим воздухом, наслаждаться старинными палаццо. Пожалуй, одно из самых ярких событий в моей жизни, волшебных переживаний — это перформанс на площади Сан-Марко, который я провела во время Венецианского карнавала. Люди в масках, старинных одеждах — нереальность бытия совершенная.

А еще Версаль. Франция. Обожаю. С моим музыкальным проектом-перформансом я выступила в оранжерее Версальского дворца, создав для этого мероприятия в 2018 году белоснежные латексные костюмы. До сих пор помню, как в сумерках в Садах Этрета состоялось барочное дефиле. Силуэт и форма моделей своей пышностью форм и праздностью воплотили в себе черты 18-го века и были исполнены в латексе. Кстати, именно они стали основой данного спектакля.

— А такая любовь к опере. Она  у вас как возникла? 

— В 2017 году меня пригласили как художника по костюмам в проект «Большая опера», который шел на телеканале «Культура». Можно сказать, что тогда я всей душой прониклась и полюбила оперное искусство, стала в нем хорошо разбираться. После трех лет бессменной работы над передачей я почувствовала в себе силы развиваться дальше. В итоге в «Геликон-опера» я создала костюмы для спектакля «Волшебная флейта», за которые меня впоследствии номинировали на «Золотую маску». Как говорится, проект закончился, а любовь осталась.

— Саш, а наш ваш взгляд, в чем секрет такой популярности исторического «барочного» перформанса? Вы ведь практически весь мир  с ним объездили.

— Мне кажется, что просто удалось попасть «в волну», каким-то образом предугадать тенденцию на интерес мировой публики к эстетике 18-го века, к его некоторой искусственности, напыщенности и гипертрофированности форм. Да, действительно, с перформансами мне удалось выступить во многих местах, проехаться буквально от Венеции до Лос-Анджелеса. На озере Комо я показывала коллекцию сразу после показа Dolce & Gabbana, а вместе с Николь Кидман участвовала в съемке Тима Уокера для W Magazine.

Татьяна Бутурлина

Журналист

Фото: Нижегородский театр оперы и балета
Источник: Клео.ру