Цель или средство? Верить в процесс, не гнаться за результатом и научиться зависеть от других

Философ Джулиан Баггини рассуждает о том, почему искусство, общение и любимые занятия ценны сами по себе, а стремление извлечь из всего выгоду – нет.

автор Евгений Елисеев

С разницей между внешней и внутренней ценностью мы разобрались: она не всегда очевидна, но оттого не менее разительна. Однако, предостерегает нас философ, важно понимать, что сама инструментализация не создает внешней мотивации для человека: например, заявление о том, что продвижение по карьерной лестнице способствует повышению зарплаты. Инструментализация действует тоньше и коварней, превознося внешние цели над «целями-в-себе», такими как любимая и осмысленная деятельность, будь она профессиональной или нет.

Кадр из фильма "Мой Бенжамин" (2025), реж. Виктория Клэй Мендоса

Да, всем нам необходимо зарабатывать на хлеб и регулярно делать уборку в квартире – посвящать вместо этого время написанию романа звучит как редкая роскошь, если не каприз. Сравнивать эти вещи и, тем более, пытаться выбирать из них кажется бессмысленным. Так же обстоят дела с назначением искусства, считает Джулиан Баггини: некоторые художественные жанры, такие как абстрактная живопись или инструментальная музыка, могут быть оценены по достоинству только сами по себе, в то время как литература, кино и театр вдобавок к эстетическому переживанию одаривают зрителя идеями и взглядом на происходящее в мире вокруг. Хорошее искусство, уверен журналист, несет в себе образовательный посыл, неотделимый от художественного содержания самой работы (здесь Баггини приводит в пример пьесы Антона Павловича Чехова).

Другую проблему инструментализации автор видит в том, что она упрощает связи между разного уровня ценностями, поощряя нас ставить приоритет на «срочном» и «актуальном» – и забывая о самой сути занятия. Простой пример здесь – социальные контакты, о важности которых сегодня не говорит только ленивый. Общаться, чтобы чувствовать себя лучше, делиться энергией (и получать ее), расширять кругозор, заводить новые знакомства – все это «сливки» на торте под названием человеческие отношения, основа которых – входить в общность с другими, не замыкаясь на себе.

Кадр из фильма "Хрупкость. Выдумщица" (2026), реж. Ксения Зуева

Инструментализация, продолжает Баггини, создает иллюзию высокой эффективности занятия: мол, четко понимая, зачем мы что-то делаем, мы быстрей добиваемся желаемого. Вопреки видимости, это не всегда так: если путь к цели не приносит ни грамма удовольствия, добравшись до «финиша», мы вряд ли почувствуем внезапный прилив сил.

Так откуда взялась эта странная мода искать цель в любом действии? Джулиан Баггини считает, что истоками она уходит в Эпоху Просвещения, когда человечество поверило в возможность достижения индивидуальной автономии за счет развития науки и техники. Тем не менее, отмечает философ, люди – социальные существа, и потому не могут быть абсолютно независимыми от других. Ошибкой нового времени стал акцент на личных свободах, а не на взаимодействии членов общества. Результат?

Кадр из фильма "Если долго идти навстречу" (2025), реж. Алексей Троценко

Атомизированный (и автоматизированный) мир капитализма, в котором слишком многое кажется доступным по нажатию кнопки в приложении. Современный человек не любит осознавать то, что зависит от других и не имеет контроля над большей частью мировых процессов (иногда – даже над самим собой). Поддерживает иллюзию и наш потребительский статус, добавляет Баггини. Рекламные кампании обещают нам, что за деньги можно купить почти все – молодость, успех, здоровье, любовь, – и это влияет не только на наши денежные траты, но и на отношение к миру. Характер транзакций приобретают совершенно различные сферы жизни – от потребления товаров и услуг до романтических отношений и получения высшего образования.

Кадр из фильма "Моя маленькая Луна" (2026), реж. Али Атшани

Наконец, Джулиан Баггини отмечает еще одно культурное влияние, проложившее дорогу к инструментализации: это научный редукционизм. Идея разбить наблюдаемое явление на его составляющие не нова для естественных наук, однако в поле социальных дисциплин она с трудом применима, считает философ. Например, экономику и психологию возможно понять только комплексно – эти системы устроены гораздо сложней любого изощренного механизма.

Впрочем, для современного потребителя прогулка в лесу может действительно сводиться к «здоровому образу жизни», а общение с друзьями и близкими – к «эмоциональной поддержке». Через линзу автономно-редукционистского подхода мир напоминает коллекцию ресурсов, которые существуют для повышения нашего благополучия.

Кадр из фильма "Долгий путь домой" (2025), реж. Сюйсун Чжэн

Интересно, как будет выглядеть мир, в котором человечеству удастся преодолеть инструментализацию, размышляет журналист? Во многих вещах мы увидим «цели-в-себе», в то время как за другими признаем их инструментальную ценность. Последнее, однако, станет положительным побочным эффектом, а не сутью наших действий, заключает Джулиан Баггини.

«Любовь есть не что иное, как желание счастья другому человеку», – писал философ Дэвид Юм.

Выходит, дружим мы не ради удовольствия, хотя и не исключаем последнее в процессе общения с дорогим нам человеком. Научиться ценить вещи просто так, не рассчитывая получить от них выгоду, значит уметь видеть красоту жизни в целом и в мелочах, подводит итог автор статьи. Осознавать собственное присутствие в мире как ключ к разгадке полноты бытия.

Это последний эпизод трехчастного материала «Цель или средство» Джулиана Баггини. А вот с чего начался разговор.

Художница Саша Фролова - о "латексном" перформансе: "Мне хотелось чуть адаптировать эпоху барокко к реалиям 21-го века"

Клео.ру побеседовал с Сашей о «театре художника», уходящей натуре Нижнего Новгорода и любви к венецианским мостовым.

автор Татьяна Бутурлина

художница Саша Фролова

Мультидисциплинарная художница Саша Фролова получила известность за свою любовь к необычным латексным материалам. Создавая коллекции и скульптурные композиции из этого материала, она добивалась одновременно эффекта невесомости и монументальности форм, вызывая, по собственным словам, «заворожение» зрителя.

В этом году Саша получила диплом ГИТИС и представила свой режиссерский дебют на открытой сцене парка Горького — спектакль «В состоянии аффекта». По словам художницы, она попыталась собрать своеобразный «спектакль-пастиччо» — симбиоз «латексного» дефиле и произведений великих композиторов расцвета барокко.

— Саша, ну, во-первых, поздравляем с дебютом! Публика, судя по реакции, осталась в восторге.

— Да уж, меня так долго не отпускали, что думала — все, замерзну на мокром ветру под «летние» 15 градусов. Но такой теплый прием показал, что я, собственно, двигаюсь в правильном направлении. Премьера данного спектакля состоялась год назад, в Нижнем Новгороде, где вошла в репертуар, и моей настойчивой мечтой стало гастрольное московское продолжение. Ура, все свершилось благодаря «Театральному бульвару»! Я выступаю здесь во всех ролях и ипостасях – и как режиссер, и как художник, и даже на экране не раз появляюсь как модель и интервьюер. Я бы назвала такое направление «театром художника». В нем, собственно, собираюсь и дальше развиваться.   

— Насколько комфортно находиться со своими костюмами на таких открытых площадках? Ветер, дождь или жара – все это затруднительно для актеров.

— Признаться, я уже столько раз работала в подобных условиях, что научилась сталкиваться с разными ситуациями, мои перформансы знакомы с трудностями уличной сцены. Безусловно, для работы на площадке в парке Горького нам пришлось значительно адаптировать постановку: скорректировать некоторые моменты со светом, под другой тип экрана перенастроить видеоконтент. Потом мы сократили в целом метраж, сделали версию без антракта, чтобы зрителю было удобнее смотреть. Для меня самым важным моментом было сохранить не только сценографию, но общий вайб постановки. На уличной сцене все воспринимается немного иначе, чем под сводами театра, где все более камерное, загадочное. Но здесь свои плюсы – масштаб и зрелищность.

Нашим артистам — да, порой приходится и помучиться от жары на палящем солнце, и на ветру «полетать». Не забываем, что каждый костюм — конструкция сложносочиненная. Сначала его надо надуть, и это уже непросто, порой полдня на это уходит. Потом надеть на артиста, после чего снять и сдуть. Иногда такая подготовка занимает несколько часов, а порой и дней. Для меня как художника подобные трудности — очередной опыт. И чем сложнее цель, тем интереснее процесс.

— Вы отметили, что данный проект – некая интерпретация эпохи барокко. Чем этот временной промежуток 18-го столетия вас так зацепил?   

— Эпоха барокко с ее теорией аффектов — а это особая музыкально-эстетическая концепция, особенно популярная в Европе в эпоху барокко, — меня крайне волнует и увлекает уже на протяжении долгого времени. Я несколько лет провела в Италии, в Венеции, была во Франции, в Версальском дворце, и даже проводила там перформансы. Я буквально кожей впитывала эту барочную атмосферу, эстетику места. Тогда же познакомилась и изучила тему «аффектов». Под этим понятием предполагалась, что некие «фиксированные» эмоциональные состояния человека можно передавать с помощью музыкальных произведений. Мой спектакль я как раз решила устроить по принципу оперного pasticcio, когда на сцене звучат знаменитые арии Скарлатти и Вивальди, Риккардо Броски и Николы Порпоры, и каждое из их произведений передает определенную эмоцию, разыгранную актерами.

Вообще, первые костюмы этой серии были созданы для экспозиции в Московском музее современного искусства, можно сказать, что именно тогда, еще в 2020-м, я решила экспериментировать в этом направлении аффектов: начала создавать скульптуры и костюмы как образы эмоциональных состояний, как некие слепки наших эмоций. Мне хотелось приблизить, чуть адаптировать эпоху барокко к реалиям 21-го века. Так пришла идея включить в сценарий видеоинтервью, где лично я беседую с «героями дня»: артистами, которые вот прямо сейчас выйдут на сцену. Вообще, такой жанр в театре называется «вербатим» — использование в творчестве не выдуманного, а подлинного материала, документальный театр через передачу личных историй напрямую, с использованием живой речи и мимики.

— У вас там, кстати, очень необычные локации для интервью — уходящая натура старинных усадеб.

— Это все сделано специально, чтобы было как раз на контрасте. Мы выбирали такие совсем неидеальные места уходящей, былой красоты, максимально контрастирующие в своей эстетике идеальному фантазийному языку моих барочных латексных костюмов в спектакле. Чтобы атмосфера, работающая на таком остром контрасте, усиливала тему разговора. Мы видим наших героев, сидящих, например, на фоне живописных руин Куйбышевской водонапорной станции 1880 года. В своем разрушении это место, исчерканное граффити, с обвалившейся штукатуркой, потрясающе красиво. Также есть локации с видом на крыши Нижнего, на Кремль, на реку на Стрелке.

— А что вас, может, больше всего вдохновляло в работе над этим спектаклем?  

— Венеция! Воспоминания о ней! Город-музей, город-театр, состоящий, как говорил в свое время Борхес, «из хрусталя и сумерек». Так уж судьба распорядилась, что я в течение нескольких лет могла иметь такое счастье блуждать по узким венецианским улочкам, имела возможность дышать этим воздухом, наслаждаться старинными палаццо. Пожалуй, одно из самых ярких событий в моей жизни, волшебных переживаний — это перформанс на площади Сан-Марко, который я провела во время Венецианского карнавала. Люди в масках, старинных одеждах — нереальность бытия совершенная.

А еще Версаль. Франция. Обожаю. С моим музыкальным проектом-перформансом я выступила в оранжерее Версальского дворца, создав для этого мероприятия в 2018 году белоснежные латексные костюмы. До сих пор помню, как в сумерках в Садах Этрета состоялось барочное дефиле. Силуэт и форма моделей своей пышностью форм и праздностью воплотили в себе черты 18-го века и были исполнены в латексе. Кстати, именно они стали основой данного спектакля.

— А такая любовь к опере. Она  у вас как возникла? 

— В 2017 году меня пригласили как художника по костюмам в проект «Большая опера», который шел на телеканале «Культура». Можно сказать, что тогда я всей душой прониклась и полюбила оперное искусство, стала в нем хорошо разбираться. После трех лет бессменной работы над передачей я почувствовала в себе силы развиваться дальше. В итоге в «Геликон-опера» я создала костюмы для спектакля «Волшебная флейта», за которые меня впоследствии номинировали на «Золотую маску». Как говорится, проект закончился, а любовь осталась.

— Саш, а наш ваш взгляд, в чем секрет такой популярности исторического «барочного» перформанса? Вы ведь практически весь мир  с ним объездили.

— Мне кажется, что просто удалось попасть «в волну», каким-то образом предугадать тенденцию на интерес мировой публики к эстетике 18-го века, к его некоторой искусственности, напыщенности и гипертрофированности форм. Да, действительно, с перформансами мне удалось выступить во многих местах, проехаться буквально от Венеции до Лос-Анджелеса. На озере Комо я показывала коллекцию сразу после показа Dolce & Gabbana, а вместе с Николь Кидман участвовала в съемке Тима Уокера для W Magazine.

Татьяна Бутурлина

Журналист

Фото: Нижегородский театр оперы и балета
Источник: Клео.ру